USALife.info / НОВОСТИ / 2018 / 01 / 25 / ОТ ПРЕРАФАЭЛИТОВ ДО БАУХАУСА. КАК 11 ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ТЕЧЕНИЙ ПОЛУЧИЛИ СВОИ НАЗВАНИЯ
 НОВОСТИ   ТОП   ТЕГИ   СТАТЬИ   АРХИВ   ЛЕНТА ЗА СЕГОДНЯ 

От прерафаэлитов до Баухауса. Как 11 художественных течений получили свои названия

13:09 25.01.2018 - RUNYweb

Любой, кто читал учебник по истории искусств, знает, что в ней доминируют группы единомышленников с конкретными целями или подходами, иначе известные как художественные течения. Начиная с конца XIX века, быстрое чередование радикальных экспериментальных движений было реакцией на стремительно меняющийся социальный, политический и культурный климат. Это привело к формированию десятков "измов", сокращений, манифестов и таких необычных слов, как "дада". Удивительные истории, связанные с названиями, раскрывают - зачастую с неожиданной стороны - их последователей, исторический контекст и миссию.

Вот краткий экскурс по 11-ти уникальным и влиятельным движениям в новейшей истории искусств (в хронологическом порядке).

Прерафаэлиты (1848 год)

Несмотря на имя художника эпохи Возрождения в названии, британцы, сформировавшие Братство прерафаэлитов, не желали иметь с ним ничего общего. Данте Габриэль Россетти, Джон Эверетт Милле и Уильям Холман Хант стремились подражать эстетике, которая была популярна до вознесения Рафаэля к вершинам славы в XV - XVI веках. Отвергнув академические клише, трое живописцев нашли вдохновение в Средневековье и раннем Ренессансе - эпохах, которые Королевская академия искусств считала "примитивными".

Группа разрослась до семи человек, которые создавали причудливые произведения, наполненные натурализмом, символикой и светом. В 1853 году движение раскололось после того, как Милле присоединился к Королевской академии, а затем стал ее президентом незадолго до своей смерти в 1896 году. Хотя Братства больше не существовало, термин "прерафаэлиты" употреблялся в Великобритании еще два десятилетия в отношении более широкой группы художников, таких как Эдвард Берн-Джонс и Уильям Моррис, которых вдохновляли оригинальные идеи трех "отцов-основателей".


Джон Эверетт Милле. Офелия (1852)

Импрессионизм (1874 год)

15 апреля 1874 года группа под названием "Анонимное общество художников, живописцев, скульпторов, граверов" сделала то, чего раньше не делал никто в Париже - организовала собственную выставку, входная плата на которую составляла один франк. В студии на Бульваре капуцинов были представлены 165 работ от 30 художников - в том числе "Впечатление. Восход солнца" (Impression, soleil levant) Клода Моне, пульсирующая, очень насыщенная картина, написанная быстрыми видимыми мазками.

Критик журнала Le Charivari Луи Леруа, высмеивая это название, саркастически писал: "Впечатление, ну конечно. Я так и знал. Не зря же я под таким впечатлением! Не могло здесь не быть впечатления! Но какая свобода, какая легкость фактуры! Обойная бумага в стадии наброска, и та будет смотреться более проработанной, чем эта живопись!". Затем он излил резкую критику на всех авторов "Выставки импрессионистов", утверждая, что они способны лишь упростить "впечатления" от мира.

Но, несмотря на негативный смысл, многим художникам термин "импрессионизм" пришелся по душе. Сменив несколько названий - в том числе "независимые" и "непреклонные" - к своей третьей выставке в 1877 году они начали официально именоваться "импрессионистами".


Джон Эверетт Милле. Офелия (1852) Клод Моне. Впечатление. Восход солнца (1872)

"Синий всадник" (1903 год)

Группа художников "Синий всадник" (Der Blaue Reiter) в Германии получила название по картине одного из ее соучредителей, российского эмигранта Василия Кандинского, написанной в 1903 году. Впрочем, само движение образовалось лишь почти 10 лет спустя. Все это время Кандинский развил синестетическую трансформацию звуков в цвет, что привело к появлению таких абстракций, как "Композиция 4" 1911 года. В том же году к россиянину присоединился его коллега Франц Марк - и группа сформировалась.

Оба художника воспринимали синий как "самый духовный" цвет, а всадник стал символом их пути от приземленной фигуративности к чистой божественной абстракции. "Синий всадник" вскоре стал свободной ассоциацией художников, куда входили Пауль Клее и Август Маке. В одноименном альманахе под редакцией Кандинского и Марка в 1912 году вышла статья с определением значения каждого оттенка. Она до сих пор остается одной из самых значительных публикаций по теории цвета.

…Кандинский говорил: "Синий всадник - это мы двое, Франц Марк и я". Начиналось все с альманаха - увлеченные поисками связей между музыкой, театром и живописью, Кандинский и Марк задумали обозначить эти связи в новом авангардном журнале. Мечтали, что он будет выходить в Мюнхене, Париже и Москве. С названием тоже все оказалось просто: "Мы оба любили синий цвет. Я - всадников, а Марк - лошадей".

Группа "Синий всадник" прекратила свое существование в начале Первой мировой войны.


Василий Кандинский. Синий всадник (1903)

Фовизм (1905 год)

Фовизм оседлал волну еще до того, как кубизм стал одним из самых влиятельных модернистских движений XX века. Как и во многих подобных случаях, критики и массы, привыкшие к реализму, не сразу восприняли нетрадиционный подход к живописи Анри Матисса и Андре Дерена. Их картины в Осеннем Салоне 1905 года в Париже шокировали неестественно яркими цветами и грубыми мазками.

Работы Матисса, Дерена, Мориса де Вламинка и Альбера Марке были вывешены в седьмом зале выставочного пространства Большого дворца. Центр помещения украшал относительно невыразительный бюст в стиле Возрождения. Критик Луи Воксель назвал получившееся сочетание Donatello parmi les fauves (Донателло парми ле фов), то есть "Донателло среди диких животных". Зал затем неофициально именовали "клеткой с дикими зверями". Но вместо того, чтобы обидеться, Матисс сотоварищи стали называть себя фовистами. Вскоре их движение выдвинулось на передовую парижского авангарда, и лишь несколько лет спустя ушло в тень кубизма.


Андре Дерен. Порт в Коллиуре (1905)

Кубизм (1909 год)

"Крестным отцом" этого движения, как и фовизма, был все тот же Луи Воксель. В ноябре 1908 года критик пришел на выставку в галерею Даниеля Анри Канвейлера - сейчас вернисаж считается первой экспозицией кубистов - где демонстрировалось полотно Жоржа Брака "Деревья в Л’Эстаке". Оно, в свою очередь, было написано под влиянием "Авиньонских девиц" Пабло Пикассо. Критика не впечатлило то, что Брак низвел прекрасный французский пейзаж до простых форм, и в следующем году он описал "кубические странности" художника. По некоторым данным, Воксель позаимствовал это слово у Матисса, который ранее употребил его, критикуя Пикассо.

Кубисты отвергли перспективу, разложили на составляющие пространственные границы, отринули любое натуралистическое представление и сгладили картинную плоскость. Свет и тень больше не использовались для естественного моделирования объектов. Пикассо и Брак были не в восторге от термина "кубизм", оно он в конечном итоге прижился и был закреплен в как официальное название движения в эссе Жана Метценже и Альбера Глеза "О кубизме", опубликованном в 1912 году.


Пабло Пикассо. Авиньонские девицы (1907)

Орфизм (1912 год)

Термин "орфизм" придумал французский поэт Гийом Аполлинер в 1912 году, когда описывал серию "Окна" Робера Делоне в парижском Салоне группы Пюто. Аполлинер ссылался на древнегреческий миф об Орфее, который был известен своими божественными музыкальными талантами. При этом поэт связал картины самого Делоне и его жены Сони с работами Франтишека Купки, Жана Метценже, Фернана Леже, Франсиса Пикабиа и Марселя Дюшана. Во всех этих картинах присутствовали ритмичные мотивы и яркие цвета. В 1915 году Пикабиа ушел от орфизма, Дюшан забросил холсты после 1918-го.

У орфизма было много общего с "Синим всадником": обе группы сосредоточились на абстракции, подчеркивали значение цвета и вдохновлялись музыкой. Однако орфизм был, скорее, спонтанным движением, которое, вероятно, и не возникло бы, если бы не параллели, проведенные Аполлинером. Скорее, это слабосвязанная группа художников, которые делились сходными идеями в ключевой точке на пути к целиком абстрактному искусству. Сегодня этот термин связан в первую очередь с Купкой и Делоне, которые продолжали работать в таком стиле уже после заката его славы.


Соня Делоне. Ринок в Миньо (1915)

Дадаизм (1916 год)

Название "дада", которое означает двойное утверждение в русском языке, в большинстве других не имеет никакого смысла. Для англичан это звучит как детский лепет. И, в отличие от большинства других движений в этом списке, чьи названия, как правило, имеют понятное происхождение, история с термином "дада" довольно неоднозначна. Хотя, возможно, в том и суть. Дадаизм объединяет чепуху, непочтительность и абсурд; его последователи занимались "анти-искусством" - такова была их реакция на Первую мировую войну и буржуазное общество, которое ее развязало.

Движение образовалось в нейтральном Цюрихе, куда поэты и художники, такие как Тристан Цара и Жан Арп, бежали из своих опустошенных войной стран. В феврале 1916 года группа начала проводить первые встречи в "Кабаре Вольтер". Точно неизвестно, кто предложил единомышленникам именоваться "дада". Самая распространенная легенда гласит, что немецкий поэт и психоаналитик Рихард Хюльзенбек наугад ткнул ножом в словарь и попал в слово "дада", обозначающие во французском просторечии лошадку-качалку. Термин "узаконил" Тристан Цара в своем "Дада манифесте" в 1918 году.


Франсис Пикабиа Уникумник (Уникальный евнух плющ) (1920)

Де Стейл (1917 год)

Это движение, зародившееся в Амстердаме, известно благодаря основным цветам и прямым линиям. Этот термин, в переводе означающий "стиль", появился из названия журнала De Stijl, который выпускал один из его лидеров, живописец и теоретик Тео ван Дусбург. Другой основатель движения, Пит Мондриан, в межвоенный период распространял через это издание свои идеи о гармонии и ясности в искусстве.

Поначалу Мондриан использовал термин "неопластицизм". Но его сторонники надеялись, что их гиперрациональное движение приведет к гармоничному, функциональному, эстетически привлекательному миру с большей нравственной чистотой. А потому незамысловатое слово "Стиль" они нашли более подходящим.


Пит Мондриан. Ромб с красным, черным, синим, желтым (1925)

Баухаус (1919 год)

Как и многие после Первой мировой войны, немецкий архитектор Вальтер Гропиус стремился реформировать побежденное, одолеваемое страхами общество своей страны. В его случае это приняло форму школы, которую он назвал Баухаусом (от немецких слов "bauen" и "haus", грубо говоря "строить дом"). В своем манифесте 1919 года он описал это, как "новую гильдию мастеров без классовых различий, что воздвигают барьер высокомерия между ремесленником и художником". Слово Баухаус уходит корнями в слово Bauhütte, которым обозначались объединения мастеров-каменщиков в средневековой Германии.

Школа Баухауc (чьим именем позже стало называться культовое движение) действительно искоренила границы между конструктивным и декоративным искусством. Она оставалась влиятельным центром искусства, архитектуры и дизайна вплоть до 1933 года, когда была закрыта нацистами. В этом заведении преподавали Василий Кандинский и Пауль Клее, а выпускниками были Марсель Брейер, Анни и Джозеф Альберс, а также Герберт Байер.

Абстрактный экспрессионизм (1919 год)

Когда искусствоведы говорят об абстрактном экспрессионизме, они чаще всего имеют в виду знаменитое послевоенное движение, начавшееся в Нью-Йорке. Но фактически этот термин существовал задолго до того, как Джексон Поллок начал капать и разбрызгивать краску на холсты. Определение впервые появилось в статье о немецком экспрессионизме от 1919 года. Спустя 10 лет первый директор Музея современного искусства в Нью-Йорке Альфред Барр-младший использовал его для описания произведений Василия Кандинского.

В 1946 году критик Роберт Коутс назвал "абстрактным экспрессионизмом" картины Ганса Гофмана и позже применил его к хаотичным полотнам Поллока и Виллема де Кунинга. В 1951 году термин популяризировал в США журнал Life, который напечатал коллективное фото ныне легендарных 15-ти художников, работавших в этом стиле.


Джексон Поллок. Конвергенция (1952)

КоБрА (1948 год)

8 ноября 1948 года 25-летний художник и поэт Кристиан Дотремон пригласил своих коллег из Дании, Голландии и своей родной Бельгии на встречу в парижском кафе. Большинство из них были знакомы еще до Второй мировой воны и, по словам нидерландца Карела Аппеля, "хотели начать сначала, как дети". В тот ноябрьский вечер группа стала именоваться КоБрА по первым буквам названий родных городов участников - Ко[пенгаген], Бр[юссель], А[мстердам]. Вероятно, это звучало круче, чем ДаБеГо (Дания, Бельгия Голландия).

Группа КоБрА выступала против довоенных арт-движений, таких как сюрреализм, и отвергала геометрическую абстракцию Де Стейла. На самом деле, война заставила художников отказаться от западного искусства и искать вдохновение в "примитивных" культурах и детских рисунках ("примитивное искусство", по сути, очень проблематичный термин, используемый в конце XIX - начале XX веков для "незападного искусства"). Несмотря на недолговечность существования, КоБрА оказала огромное влияние на более позднее поколение художников и способствовала возникновению современной категории аукционов под названием "Искусство аутсайдеров".


Карел Аппель. Гип-гип, уоа! (1949)


ПРОСМОТРОВ: 25
21/05/2018    info@usalife.info
Все права на материалы принадлежат источникам, указанным под заголовком каждой новости, и их авторам.
Рейтинг@Mail.ru RSS